A Fior di Pelle, ricerche sulla superficie

Desde 25/02/2021 Hasta 18/03/2021

A fior di pelle.
Ricerche sulla superficie
Enrico Castellani / Paolo Schiavocampo
Barbara Colombo / Lorenzo Di Lucido / Ludovico Orombelli / Rolando Tessadri

Comisariada por Gabriele Salvaterra

En su libro publicado por primera vez en 1959, “Il divenire delle arti”, Gillo Dorfles establece claramente una de las conquistas de la pintura del siglo XX que será un punto de no retorno para todas sus experiencias posteriores. La superficie del lienzo que una vez pretendió ser un espacio tridimensional finalmente vuelve a ser solo una superficie bidimensional. Y a partir de este momento, toda la superficie se da a un nuevo valor". Este reconocimiento aparentemente más bien banal y limitante revela una serie de posibilidades previamente no expresadas que pueden desarrollar inesperadamente infinitos enfoques. De esto, concluye Dorfles, se deduce que "también debemos conferir a esa superficie el valor de 'protagonista', o al menos de deuteragonista, dialéctico complementario al de la forma que se circunscribe y se opone a ella".

La exposición “A fior di pelle”, a partir de la comparación entre las investigaciones antitéticas de los maestros históricos Enrico Castellani (Castelmassa, RV, 1930 - Celleno, VT, 2017) y Paolo Schiavocampo (Palermo, 1924), representada por una obra icónica para cada uno, cuenta una serie de declinaciones artísticas capaces de sondear las increíbles cualidades de la piel pictórica. A pesar de su bidimensionalidad y reduccionismo, la superficie muestra de hecho una vivacidad inagotable, como se indica también en la investigación de las generaciones más recientes de Barbara Colombo (Vimercate, MB, 1969), Lorenzo Di Lucido (Penne, PE, 1983), Ludovico Orombelli (Como, 1996) y Rolando Tessadri (Mezzolombardo, TN, 1968).

Castellani y Schiavocampo destacan dos posibles formas de utilizar la superficie como un dispositivo por derecho propio. Por un lado el tratamiento riguroso, rítmico y matemático de sus desarrollos tridimensionales, por otro lado el concreto, material y fáctico que lo devuelve al flujo de la vida cotidiana. 

Enrico Castellani está, de hecho, presente con una obra de tamaño medio, un Untitled de 1967, que en su sencillez indica un polo importante de este discurso. Es un rectángulo monocromático con una redacción casi industrial, no hay signos ni gestos pero su tratamiento colorista está asegurado a la inexpresividad racional más completa. Por lo tanto, todo el valor artístico se confía a las mismas modulaciones del soporte que, en la práctica desarrollada junto a Piero Manzoni desde finales de los años cincuenta, tiende a animar la superficie de la pintura, de lo contrario se deja a una unidad tonal algida. La diferencia entre las dos personalidades principales del movimiento Azimut / Azimut es aclarada por el propio Castellani quien, en una entrevista, dice: "Incluso después de mucho tiempo diría que la diferencia radica en el hecho de que siempre he estado vinculado a la superficie y el objeto, a su análisis y definición, mientras que Manzoni se preocupaba por trabajar en gestos y comportamientos. Así, la superficie de la pintura, considerada en su calidad de objeto simple, se abre a la relacionalidad del entorno, en la luz, en las sombras y, por lo tanto, en el "ritmo" que es capaz de crear sobre la base de una dinámica "simple" pero muy sofisticada de concavidad puntillista y convexidad del plano pictórico.

De alguna manera la actividad de Paolo Schiavocampo es más amplia y caleidoscópica, un artista con una larga experiencia arraigada en el siglo XX, que, inicialmente formado en arquitectura, considera su actividad más allá de las disciplinas, habiendo tratado no solo con la pintura, sino también con la escultura, el urbanismo y la construcción en el sentido más amplio. La superficie que se propone, por ejemplo, por los Cementos de los años noventa es completamente diferente en naturaleza a la de Castellani, nutrida por la multidisciplinariedad que la caracteriza. Luigi Erba define este corpus: “Son mezclas de diversos materiales que se unen con cemento, recuerdos de paredes, persistencia de ventanas, de callejones. Es casi una renovación material del legado de lo informal, investido por una profunda sensibilidad arquitectónica y constructiva. Una superficie diferente que nos lleva hacia abajo, hacia el cuerpo y la realidad urbana que rodea la experiencia del hombre contemporáneo. En el trabajo en exhibición, de la serie de los Tapices más recientes (2015), estas sugerencias se destilan en una serie de "lágrimas" coloristas que conservan en su piel signos operativos de matriz cromática.

Entre estos dos extremos significativos, las propuestas de Colombo, Di Lucido, Orombelli y Tessadri se mueven entre la habilidad manual pictórica, la tautología, la sinestesia táctil y los procedimientos de moldeo, relanzando el potencial de la superficie en el nuevo milenio y convirtiéndola, cada uno según sus propias inclinaciones, en el protagonista.

Barbara Colombo, por ejemplo, presenta obras pertenecientes a dos series diferentes, pero unidas por el mismo tratamiento material/hormigón de la superficie, obtenido mediante un complejo procedimiento que somete papel, polvos de diversos orígenes, cenizas y pigmentos a las quemaduras y al calor del fuego. El trabajo resultante, un silencioso rectángulo monocromo, revela a una mirada cuidadosa una increíble y profunda vivacidad de pliegues y arrugas que pueden dar reflexiones existenciales y poéticas a la práctica del artista. En los fragmentos más pequeños y delicados esta lógica se refuerza aún más, dejando el trabajo en la etapa de peeling pictórico con bordes dentados que se dispone libremente en la pared como en una constelación móvil, compuesta por muchos elementos interrelacionados.

Lorenzo Di Lucido, representante de la joven pintura italiana del nuevo milenio, deja de lado cualquier experimentación de materiales para desarrollar sus misteriosas caligrafías utilizando óleo, lienzo y marco de madera, exactamente como lo habría hecho un pintor del siglo XV. Esta naturaleza estática del lema pictórico fascina a Di Lucido en la posibilidad de que pueda ser contemporáneo y ancestral al mismo tiempo. En la serie de obras presentadas, uniformadas a un verde intenso monocromo, siguiendo la enseñanza de Robert Ryman, parece que la intención del artista es simplemente "cubrir la superficie por completo" y, al hacerlo, comentarla con gestos que son casi invisibles porque están limitados al mismo color. Es necesario mover el cuerpo y el ojo para redescubrir todo un enjambre de valores pictóricos inesperados, que nos permiten entrar en el bosque informal de una naturaleza primero desmembrada y luego recompuesta en el plano del lienzo.

El muy joven y casi emergente Ludovico Orombelli, aunque le da mucha importancia a la calidad cromática y dimensional de sus producciones, parece querer llamar la atención más sobre el aspecto táctil de su piel como si quisiera hacer del ojo un "órgano del tacto". De hecho, estos sudarios con sus contornos irregulares son en realidad moldes de hojas, felpudos, telas y otros materiales de estudio, utilizados como matrices, donde el trabajo final es, de hecho, un molde epidérmico que introduce procedimientos decididamente escultóricos en la esfera pictórica. En este cortocircuito superficial, Orombelli parece poner en acción la "similitud a través del contacto" teorizada por Didi-Huberman, haciendo de la obra un rastro, una huella, de algo que ya no está presente (o que a lo sumo está doblado en el suelo cerca de la obra).

Rolando Tessadri lleva el discurso de vuelta a sus inicios y a un territorio que por aparente autocontrol y radicalidad lo reconecta con el paisaje expresivo de Castellani, del que partimos. Las obras modulares de las correspondencias refinadas y los colores sutiles son rítmicas, esta vez sin ninguna concesión a la extroversión. Esto no es más que un recurso técnico que permite situar en la superficie real del soporte su representación artística, realizada con un procedimiento de “frottage”. El entretejido del lienzo real y su duplicación ilusoria se encuentran en el mismo grosor infinitesimal del soporte, creando un efecto tautológico y revelando, detrás del aparente equilibrio de estas composiciones, un vértigo óptico extremadamente dinámico y mental.

Gabriele Salvaterra

Enero 2021