Perceptions

Desde 05/12/2023 Hasta 26/01/2024

Percepciones

2023.12.05 – 2024.01.26

Nuestra última exposición cerrada, titulada "Percepciones", se basa en la idea de la capacidad de ver o tomar conciencia de algo a través de nuestros sentidos. Es un concepto complejo pero fascinante que se encuentra en el corazón de las experiencias humanas. Se centra en la conciencia del espectador de su entorno y su capacidad para interpretar estas obras de arte bajo una nueva luz. Invitamos a los visitantes a desafiar sus percepciones y descubrir nuevas formas de ver el mundo.

András Végh

Estamos encantados de presentar las notables obras de arte de András Végh (nacido en 1940) por primera vez en nuestra galería, y la alegría se ve reforzada por la oportunidad de presentarlo a nuestros visitantes dentro de esta cautivadora exposición colectiva. Inicialmente con reminiscencias de pinturas rupestres, sus obras presentan colores simples, figuras en forma de palo y varios objetos sobre lienzo. Este concepto trae una sensación de alegría cada vez que encuentro sus piezas, es fácilmente accesible pero deja un amplio espacio para nuestras ideas y creatividad, invitándonos a conectarnos con la obra de arte y derivar significado. Explorar el lienzo revela numerosos detalles y fragmentos encantadores, que ofrecen un nuevo descubrimiento con cada mirada.

“El objetivo de mi búsqueda artística es aprehender el mundo y dentro de él, a la humanidad y a mí mismo. Las cosas visibles e invisibles se exponen bajo la luz de la naturaleza. Adoro la coincidencia que inspira el sentimiento, lo misterioso, lo extraño, lo imprevisto, lo sorprendente y lo grotesco de la misma manera que admiro la magia de la invención, la aventura a través de lo desconocido, el camino de la oscuridad a la luz y la espontaneidad llena de pasión. La línea, proyectada por mi trabajo, es esencialmente mi salvavidas. En nuestro presente, retrato mis pensamientos y sentimientos que surgen en el mundo objetivo, que a su vez existe y cambia independientemente de nosotros, de la manera más subjetiva posible. Por supuesto, todos pueden nutrir su jardín de la verdad, dentro del cual podríamos notar la chispa de luz que constituye todo lo que está vivo. Mi trabajo simplemente representa mi propia verdad. Es solo una parte de la Realidad, sin embargo, es real de todos modos. Mi creatividad es estimulada por lo que irradia belleza, humanidad y energía vital mezcladas con el ambiente de la vida contemporánea ".

Manteniéndose activo, sus obras más recientes muestran un alejamiento de la representación de figuras, revelando una evolución intrigante en su estilo y estética. Siempre es fascinante presenciar cómo evoluciona el artista. Haciendo hincapié en el proceso de creación sobre la representación explícita, está notablemente orientado al proceso. Sus obras de arte incorporan elementos de escritura, lo que se suma a la estética de la pintura rupestre con un ambiente desconocido pero alegre. Juguetón y agradable de contemplar, sus obras sirven como un encantador punto de entrada al arte, estableciendo un tono positivo para toda la exposición.

Ádám Misch

En sus primeras obras, retrató distintas formas en diferentes tamaños y colores, explorando predominantemente diferentes tonos de marrón. Pasando por una fase temporal, su arte adoptó un estilo expresionista similar al Basquiat, incorporando también números y letras en las composiciones. A medida que evolucionó, sus obras posteriores se desplazaron hacia el expresionismo lírico abstracto, acompañado de títulos expresivos. Estas piezas, sugerentes y construidas sobre gestos, transmiten una robusta cosmovisión expresionista. Creados poco antes de su fallecimiento prematuro, carecen de un sentido de finalidad, lo que sugiere un viaje artístico continuo. A pesar de su carrera truncada, sus creaciones mantienen un aire contemporáneo y moderno. Junto con sus pinturas, profundizó en intrigantes trabajos de vídeo y experimentos, dejando un deseo de más exploración en estos reinos.

Descrito por un compañero artista "... siempre buscando algo, arañando la superficie de lo que uno puede llamar realidad. Su concepto de la verdad era lo que yacía debajo del barniz que usaba, que era perpetuamente etiquetado y clasificado por individuos que no tenían nada mejor que hacer. Creo que nunca le importó si su arte era un ejemplo de "expresionismo lírico" o simplemente una "lírica expresiva". Su único objetivo era expresar ideas y emociones a través de los medios proporcionados por la naturaleza”.

Constantemente me sorprenden las innumerables interpretaciones que descubro en sus pinturas, y encuentro un inmenso placer en compartir estas observaciones con mis amigos. Los colores vibrantes dan colectivamente un ambiente relajante y animado al espacio de exposición. Estas obras de arte son del tipo que con mucho gusto colgaría sobre mi cama, seguro de que inspirarían sueños agradables. El proceso creativo del artista y la fascinante variedad de gestos y pinceladas en sus obras son particularmente intrigantes para mí y me hubiera encantado ver más de él.

Szabolcs Szolnoki

También nos complace recibir las hermosas obras de arte de Szolnoki en nuestra galería por primera vez. Sus pinturas existen en la intersección de lo abstracto y lo figurativo, y en ocasiones ambos aspectos tienen prioridad. Su objetivo principal no es la mera ilustración, sino la expresión. Establece constantemente uno o más puntos focales que sirven como puntos de entrada para interpretar la narrativa de la pintura. Los elementos fuera de estos puntos focales, en la periferia, plantean un desafío para capturar individualmente, sin embargo, es solo a través de su presencia colectiva que la imagen alcanza la integridad y la coherencia.

Asistimos a su crecimiento y a la ampliación de sus horizontes artísticos. En sus obras anteriores, el telón de fondo presentaba constantemente escenarios interiores adornados con plantas y muebles domésticos. Sin embargo, en sus piezas más recientes, hay un cambio notable a medida que se aventura más allá de estos espacios interiores, explorando entornos como terrazas y patios.

Sus creaciones siempre me traen una sensación de sorpresa, ofreciendo una experiencia refrescante. Inicialmente, se siente como si me hubiera transportado a un recuerdo antiguo, algo olvidado, donde la claridad es desconcertante, y hay una tensión sutil en el esfuerzo por mejorar y prolongar esos tiempos. Estas obras proporcionan una sensación reconfortante y familiar, aportando un sentido de pertenencia a los recuerdos representados. Además, tienen el potencial de evocar un estado de ensueño, lo que sugiere un mundo un poco más allá de nuestra realidad. Esto me inspira a crear narrativas imaginativas sobre las vidas de estas personas en una realidad alternativa, realmente sacando a relucir mi lado creativo y dándome una sensación de satisfacción.

Dániel Kiss

Los dibujos de Kiss inspiran sus creaciones, marcadas por la continuidad, la autorreversión y los guiños al infinito. Se adhiere al uso de un solo material en sus obras, adaptándose a sus propiedades sin adhesivos ni carpintería. Sus piezas se inspiran en fenómenos ópticos, mostrando formas en constante cambio que conducen a un sinfín de posibilidades.

Sus esculturas presentadas en la exposición actual, tituladas "Alfa" y "Omega", están hechas a mano de árboles de nuez de Brasil. Meticulosamente talladas y moldeadas, estas obras de arte complementan a la perfección cualquier espacio que habitan, introduciendo un ambiente tranquilo impregnado de la esencia de la naturaleza. Tras mi encuentro inicial con estas obras, me llamó la atención la impresión de que superaban la artesanía humana, una idea errónea que se descartó rápidamente. Elevados sobre pedestales robustos, llaman la atención con su imponente presencia, pero paradójicamente irradian una delicada belleza que infunde una sensación de precaución, haciendo que uno dude en tocar estas frágiles obras maestras.

Tamás Dobos

En el centro de su visión artística se encuentra la representación de múltiples capas de tiempo simultáneamente, logradas a través de personajes que carecen de rasgos convencionales específicos de la época. Estos personajes sirven como símbolos de atemporalidad. Dentro de su universo, el tiempo no se adhiere a una estructura lineal o fluye como un río; más bien, está siempre presente. Este enfoque único del tiempo permite espacio para la imaginación, invitando a los destinatarios a embarcarse en viajes de percepciones y creencias individuales.

Sus obras de arte utilizan una técnica de placa húmeda, lo que le permite crear una ilusión del pasado. Sin embargo, al examinarlo más de cerca, los espectadores pueden sentir cierta confusión, ya que también pueden experimentar la presencia del presente y el futuro. Un tema central en su trabajo gira en torno a los gemelos, no solo como sucesos biológicos distintivos, sino también como símbolos de trascendencia. En el proceso de reelaboración, intencionalmente permite elementos accidentales, evitando hacer declaraciones explícitas. En cambio, el objetivo es involucrar al espectador y fomentar la contemplación compartida.

Al observar inicialmente sus obras, experimenté una sensación de inquietud mientras luchaba por ubicarlas dentro de un marco de tiempo específico. Esta vaguedad fundamental es exactamente lo que los hace intrigantes y distintivos. Hay una sensación de incertidumbre con respecto a la identidad de los sujetos, ya sean la misma persona reflejada varias veces o gemelos reales reflejados.

Su último catálogo, titulado "W", ha sido lanzado recientemente, mostrando su biografía y obras artísticas. Además de la sorpresa, también tiene experiencia como director de fotografía, contribuyendo a varias películas galardonadas, incluida una que ganó un Gran Premio del Jurado del Oso de Plata.

György Jovián

Jovián György identifica el propósito de su vida en el ámbito de las artes visuales, fiel a su creencia en el poder de la pintura. En los últimos tiempos, ha optado por trabajar exclusivamente con pintura al óleo sobre lienzo. No excluye el uso de una cámara en la creación de sus obras; típicamente fotografiando a sus sujetos y luego "agrandándolos" sobre el lienzo para crear composiciones monumentales. Si bien no descarta el uso de otros materiales (como arena, restos de tela y pintura mural), especialmente en sus primeros períodos, ahora son meras herramientas para el objetivo final de crear una pintura.

“Hay épocas que duran más que las anteriores o que son paralelas a ellas. Por cierto, el tema de la llamada "demolición" es el más definitorio. Lo llamé así, pero esencialmente, a finales de la década de 2000, noté que en todo el mundo, no solo en Budapest sino en todas partes, estaban derribando los edificios que se construyeron cuando era niño. Cuarteles, edificios de fábricas, todo tipo. Los demuelen y construyen otros nuevos en su lugar. Al observar estos sitios de demolición, estos campos de ruinas, noté que son inmensamente pintorescos. Contienen muchos detalles, son coloridos y se pueden componer; puedes capturar un detalle y ampliarlo, alterando así su significado. Fue entonces cuando comencé a involucrarme con esto, y prácticamente, he estado haciendo esto desde entonces ".

En esta exposición se presentan piezas tituladas "Estudio para la demolición" y "Estudio para la guerra." Si bien estas obras pueden no ser recientes y no fueron creadas para comentar guerras o situaciones políticas actuales, transmiten efectivamente la naturaleza atemporal y universal de estos problemas que persisten a lo largo de la historia. Sus obras de arte, conocidas por su fotorrealismo extremo, brillan especialmente en estas dos piezas, desdibujando las líneas hasta el punto de que distinguir entre una fotografía y una pintura se convierte en un desafío. La capacidad de crear piezas tan hiperrealistas me fascina y me desconcierta, destacando la facilidad con la que uno puede ser engañado por sus propios ojos.

Márton Romvári

En sus creaciones artísticas, las formas naturales de los mundos micro y macro adquieren una presencia distintiva, apareciendo como esencias simplificadas. La interacción de los elementos, ya sea en el proceso de fusión o separación, se superpone meticulosamente en planos de interacción, lo que contribuye a la creación de una calidad espacial dinámica dentro de la obra de arte. Procedente de una fuente compartida, su dominio artístico se extiende a dimensiones, relieves, objetos, esculturas y obras cinéticas. Esta diversa gama de expresiones artísticas forma colectivamente un mundo cohesionado y multifacético dentro de su obra.

Sus obras expuestas están diseñadas a propósito para engañar a tus ojos y mente, obligándote a percibirlas desde perspectivas nuevas y poco convencionales. Un concepto intrigante dentro de sus creaciones implica dividir la obra de arte en elementos separados, evaluar cada uno individualmente y luego volver a ensamblarlos para formar una imagen cohesiva. Es realmente alucinante presenciar cómo nuestras percepciones de una obra de arte pueden transformarse al desarmarla y reconstruirla metafóricamente. Este enfoque no solo involucra a los espectadores de forma interactiva, sino que también proporciona una forma divertida de presentar a las generaciones más jóvenes el arte contemporáneo, lo que demuestra que a menudo hay más en una pieza de lo que parece inicialmente.

Una pieza notable, titulada "Nube", parece poseer movimientos dinámicos y vibraciones en el lienzo, casi como si intentara liberarse de su espacio confinado y conquistar el mundo. Su obra abarca formas bidimensionales y tridimensionales, con una cautivadora interacción de colores y formas sobresalientes.

Péter Borkovics

Inicialmente atraídas por la fluidez del vidrio, las creaciones del artista se someten a un meticuloso viaje de máquinas, técnicas y manipulaciones profesionales, dando como resultado bloques geométricos a rayas que revelan interiores caóticos. Las vibrantes láminas de vidrio, fundidas para formar colores y formas interiores, simbolizan la armonía de la naturaleza y el ciclo eterno del tiempo. Las franjas continuas y paralelas representan la conexión atemporal entre la existencia humana y el universo. El marco central significa la presencia humana y el pensamiento preciso, mientras que la rotación de las formas refleja la naturaleza siempre cambiante de la civilización y el pensamiento.

Incluirlo en la exposición se sintió casi obligatorio, dado que sus obras ofrecen una perspectiva fresca desde prácticamente todos los ángulos. Sirve como un recordatorio de cómo un ligero cambio de perspectiva, incluso con solo dar un paso a la izquierda, puede revelar mundos completamente nuevos ante nosotros. La exposición, en esencia, sirve como una lección de vida, redirigiendo nuestro enfoque y animándonos a ver las cosas bajo una nueva luz. Su objetivo es estimular nuestros puntos de vista e ideas individuales. Personalmente, encuentro una gran satisfacción en esta exposición porque tiene un trasfondo agradable y significativo. Mi esperanza es que influya en los espectadores para que abracen y disfruten de la vida, alentándolos a explorar diversas perspectivas y descubrir ideas que pueden haberlos desconcertado antes.

Estoy encantado de compartir la fantástica noticia de que nuestro artista representado participó en la Venice Glass Week 2023, un festival internacional dedicado a promover el arte de la fabricación de vidrio. El evento, celebrado el pasado mes de septiembre, marca un logro significativo para nosotros, mostrando la participación de nuestro artista en un encuentro tan prestigioso.

Endre Lukoviczky

A lo largo de toda su vida, ha perseguido apasionadamente sus esfuerzos artísticos, participando tanto en pinturas como en gráficos impresos. Mientras que sus creaciones llevan la influencia del constructivismo y el suprematismo, sus composiciones dinámicas profundizan en temas contemporáneos. Aprovechando con frecuencia el potencial de organización de la imagen de los planos flotantes, sus obras revelan una fascinación mecánica y transmiten sus experiencias metropolitanas a través de la utilización de espacios abstractos.

Mantuvo un alto nivel de actividad a lo largo de su vida, participando constantemente en el proceso de crear algo nuevo. La exposición presenta sus obras de la serie "Cuerdas de letras", notable por el hecho intrigante de que fueron pintadas con casi 15 años de diferencia. Al observar estas piezas, uno puede sorprenderse por los notables cambios en colores, técnicas y estilos que se desarrollaron a lo largo de los años. En contraste con sus obras de arte exhibidas anteriormente, hay un cambio notable a medida que se aleja de las intrincadas composiciones espaciales, aventurándose en una estética más directa y llana. Esta transición podría verse como un nuevo capítulo en su viaje artístico, partiendo de las complejas pinturas tridimensionales del paisaje urbano para abrazar elementos y colores más simples en la llanura.

Tuve el placer de conocerlo y relacionarme con alguien tan fascinante que ha experimentado y visto tanto, fue un cambio de vida. Recibí un fantástico recorrido por su estudio, donde me mostró su impresionante colección de obras de arte. Además, compartió su álbum más preciado, meticulosamente organizado con imágenes fotográficas etiquetadas y fechadas de cada pieza que ha creado, con información adicional sobre su paradero actual.

Sus obras de arte tienen una fascinación especial para mí, llegando a un punto en el que se vuelve difícil distinguir si fueron pintadas meticulosamente o no. La grandiosidad de sus piezas nunca deja de transportarme, evocando imágenes de paisajes de planetas lejanos o escenas sacadas directamente de una cautivadora narrativa de ciencia ficción. Su hábil uso de las paletas de colores me sorprende constantemente, resonando conmigo en un nivel más profundo, haciendo que su obra de arte sea realmente impactante y especial para mí.

En general, es especialmente difícil resumir la amplia gama de artistas y la variedad de sus obras en un solo pensamiento, ya que la idea principal de la exposición era solo suya: mostrar formas muy diferentes de percepción provenientes de artistas representados de la Galería Faur Zsófi.

Autor: Kata Szilágyi