Da Michelangelo

Tano Festa comenzó su carrera como pintor extraoficialmente (como él mismo dice en una de sus últimas entrevistas) de niño, impulsado por su padre, quien le animó a pintar como hobby y oficialmente en 1961, cuando celebró su primera exposición personal en la Galería “La Ascent ” de Roma, pocos años después de licenciarse en fotografía artística en el Instituto de Arte de la misma ciudad (1957).

El fundamento de su carrera artística es sin duda la participación en la exposición “The New Realism” en Nueva York junto a Schifano, Baj y Rotella, pero también la primera Bienal de Venecia de 1964 donde, por primera vez, el público puede admirar una de sus famosas “Persiane”, obras con un sabor claramente metafísico y New Dada. Este tipo de trabajo está profundamente conectado con la trágica historia de la muerte del hermano del artista, Francesco Lo Savio (estaban registrados con diferentes apellidos), que se había quitado la vida en Marsella, en un hotel: leyendo las razones de su gesto en una clave trágica y heroica, Tano Festa comienza a ver los objetos que lo rodean de una manera melancólica, sacando a relucir su lado metafísico, bordeando la mortalidad humana; no por casualidad a menudo son definidos por él como "umbrales".

Además Festa es considerado uno de los máximos exponentes del llamado Pop Art italiano, sobre el que da una lectura especialmente significativa durante una entrevista: “Pertenezco a lo que erróneamente se llamaba“ Pop Art italiano ”. Ahora, lo que hicimos fue popular, no pop. Los estadounidenses eran "artistas pop" porque representaban objetos de consumo reales como símbolos artísticos en los que inspirarse. Los italianos hemos sido “Populares” porque hemos conseguido, en cambio, consumir el propio arte con citas y extrapolaciones, como las que hice yo sobre los fragmentos de Miguel Ángel del Juicio Final. Jasper Johns, Oldenburg y Warhol podrían expresar bien el arte con la bandera estadounidense, con latas de sopa y pinceles de bronce. Esos objetos más que otros representaban la cultura estadounidense y era lógico y correcto que los enfatizaran. Pero tuve que lidiar con Leonardo y Miguel Ángel, no pude inventar nada ”(entrevista de Dimitri Buffa en mayo de 1987 a Tano Festa, en la galería romana de Francesco Soligo). Y de hecho, aún a principios de la década de 1960, comenzó su análisis de los grandes artistas italianos, haciéndose famoso sobre todo por sus reelaboraciones del Miguel Ángel de la Capilla Sixtina y las Capillas Médicis. El artista transpone detalles fotográficos o proyecciones sobre lienzos tomados de sus famosas obras, manipulándolos a través de la intervención pictórica o repintándolos completamente en esmalte, interpretándolos como anuncios: tienen de esta manera como una segunda vida, en una dimensión surrealista que permite una comprensión inmediata y una simple clave de lectura. A lo largo de los años, sus relecturas de iconos se vuelven a proponer continuamente, convirtiéndose a su vez en iconos.

Pasa un periodo bastante difícil, durante el cual no logra expresar su creatividad y falta el reconocimiento de la crítica, pero luego es invitado a la Bienal de Venecia de 1980, 1984: de este periodo son los llamados “Coriandoli”, ciclos altamente poéticos y sublimes.