¿Qué podemos definir como Arte Moderno? A menudo confundido con el Arte Contemporáneo, el término Arte Moderno se utiliza para referirse a un periodo de unos cien años -más concretamente al periodo comprendido entre las décadas de 1860 y 1970-, una época en la que los estilos artísticos y las filosofías experimentales dieron lugar a una variedad de nuevas producciones expresivas.
Definición de Arte Moderno
El Arte Moderno incluye obras artísticas fechadas aproximadamente entre las décadas de 1860 y 1970 y caracterizadas por el intento de desechar tradiciones del pasado, en un espíritu de experimentación. Aunque pueda parecer difícil identificar un hilo rojo que conecte todos los diferentes movimientos que caracterizan al Arte Moderno, sí existe una base común que une todas las soluciones modernistas famosas. El auge de la Abstracción, el advenimiento del famoso movimiento de las Vanguardias y las nuevas posibilidades que brindó el descubrimiento de nuevos materiales industriales, están todos unidos por su necesidad de expresividad como tendencia principal y general del Arte Moderno. De hecho, en el curso del desarrollo del Arte Moderno se produjo una metamorfosis gradual, lenta pero constante. Una serie de famosas novedades y estilos modernistas fueron adoptados por artistas de diferentes naciones, que intentaban escapar de las narrativas antiguas para crear un futuro inédito.
El arte moderno guarda una estrecha relación con el Modernismo, una respuesta a las condiciones de vida radicalmente cambiantes que se desencadenaron debido al auge de la industrialización. De ahí que su definición se exprese a menudo en los siguientes términos: the term modern art defines the style and conception of art typical of the period between the mid-nineteenth century and the twentieth century and, more generally, to artistic expressions that express a form of "rejection" of the past and openness to experimentation. el término arte moderno define el estilo y la concepción del arte típicos del periodo comprendido entre mediados del siglo XIX y el siglo XX y, más en general, a las expresiones artísticas que expresan una forma de "rechazo" del pasado y de apertura a la experimentación. El arte moderno se concibió en el contexto modernizado de la sociedad de finales del siglo XIX y del XX, cuando la vida social, económica y cultural se vio revolucionada en el sentido más amplio por una nueva visión del mundo.
El arte moderno y la fama de los famosos artistas del arte moderno duraron hasta que los críticos culturales empezaron a hablar de "el fin de la pintura", título de un provocador artículo de Douglas Crimp presentado por primera vez como conferencia en Los Ángeles en 1981.
Hoy en día, los museos y las colecciones de arte cubren un papel increíblemente importante, permitiéndonos contemplar la belleza y la grandeza que se crearon en el pasado. El arte moderno, así como los periodos anteriores y posteriores a esta época de increíble crecimiento, se atesoran hoy entre las paredes de museos y colecciones privadas. Hablando de esto, puede ser interesante seguir el caso del nuevo Museo que se abrirá próximamente en Seúl; una institución que albergará la colección privada del presidente del Grupo Samsung, y que permitirá al público admirar más de 23.000 obras de arte. Como puede leerse en el Korea Herald, "el objetivo es compartir con el gran público la colección del donante y su filosofía a la hora de coleccionar las obras de arte".
1. Gustave Courbet (n.1819)
Gustave Courbet fue el pionero del Realismo y aún hoy es reconocido como su más famoso exponente. Estilísticamente, empleó a menudo la espátula para crear pinturas pesadas y matéricas que creaban una visible distancia con la estética excesivamente acabada y cuidadosamente refinada propia de la pintura académica.
2. Edouard Manet (n.1832)
Edouard Manet fue un pintor francés, famoso por su importancia dentro de la revolución estética que se produjo a finales del siglo XIX. Al igual que Courbet -que ejerció una gran influencia en su obra-, fue uno de los primeros pintores decimonónicos de la vida moderna, y actualmente se le considera parte central del paso del Realismo al Impresionismo; aún hoy en día, Manet es reconocido como un punto de inflexión crucial hacia las etapas más recientes del arte moderno.
3. Paul Cézanne (n.1839)
Paul Cézanne fue uno de los más grandes pintores postimpresionistas, una persona cuyas obras e ideas influyeron enormemente en el progreso estético de principios del siglo XX. Muchos artistas y movimientos se vieron muy condicionados por los descubrimientos de Cézanne, en particular los pintores que más tarde se definieron como cubistas. El arte de Cézanne, como el de muchas de las figuras que seguirán en este texto, fue a menudo incomprendido públicamente. Su práctica comenzó con una estrecha relación con el movimiento impresionista, pero acabó desafiando eficazmente muchos de los ideales conservadores del arte visual del siglo XIX, distanciándose principalmente debido a su visión subjetiva.
4. Claude Monet (n.1840)
Claude Monet es el pintor más asociado con el Impresionismo: de hecho, fue a partir de una obra suya titulada "Impression, Soleil Levant" o ‘Imprenta, Sol Naciente’ (1874), cuando surgió el movimiento impresionista. Monet fue pionero de este movimiento por varias razones: defendía firmemente el trabajo en plein air o al aire libre, y que el artista debía estudiar la naturaleza y los efectos ópticos de la luz en persona. También es conocido por completar series de obras que giran en torno a un tema para estudiar los efectos de la luz en la misma escena a lo largo del día, o en diferentes estaciones. Ejemplos de estas obras son los pajares y las iglesias. La casa de Monet en Giverny también se considera un escenario crucial para las últimas obras del pintor. Tras comprar la casa en 1883, Monet se dedicó a investigar en torno al gran estanque de nenúfares, tema que pintaría innumerables veces durante los últimos 20 años de su vida.
5. Vincent Van Gogh (n.1853)
Vincent van Gogh fue un pintor postimpresionista holandés reconocido como uno de los artistas más famosos del arte moderno. Tuvo una vida relativamente corta, pero la mayor parte de su obra la realizó en un prolífico periodo de diez años, en el que pintó casi 2.100 obras. Abarcan una amplia gama de temas, incluidos retratos y autorretratos, paisajes y naturalezas muertas. Desde el punto de vista estilístico, las obras de Van Gogh forman un continuo relativamente homogéneo y se caracterizan, a grandes rasgos, por sus atrevidas y brillantes combinaciones de colores y sus pinceladas dramáticas, a menudo impulsivas y muy expresivas, que contribuyeron a sentar las bases de todos los movimientos artísticos modernos posteriores. Es bien sabido que Van Gogh no tuvo éxito comercial en vida y que se suicidó a los 37 años.
6. George Seurat (n.1859)
Georges Seurat formó parte del movimiento postimpresionista francés. Su mayor innovación consistió en desarrollar la famosa técnica del "puntillismo", así como en centrarse en el esquema del "cromoluminismo", ambas con un punto en común en cuanto a su enfoque, que se dirige a las distintas partes de la luz y su prisma de gradientes de color. En efecto, el puntillismo es aquella técnica que utiliza puntos únicos de color para describir formas y profundidades, confiando en la capacidad del ojo para reconstruir una imagen deconstruida. El resultado de este esquema pictórico es una estética altamente sensible que se ve reforzada por la atención de los artistas al detalle y por los teoremas científicos en torno a la luz y su verdad constructiva. Si pensamos en el Arte Moderno como innovación, experimentación pero también atención al pasado, podemos contemplar el famoso cuadro "Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte" (1884-1886) como, sin duda, una de las obras más icónicas del periodo del Arte Moderno.
7. Hilma Af Klint (n.1862)
Hilma af Klint fue una artista sueca de arte moderno que extendió sus intereses visuales al misticismo y la espiritualidad. Sus pinturas, que sólo muy recientemente han sido debidamente consideradas y examinadas, se consideran los primeros ejemplos del arte abstracto occidental (muchas de sus obras abstractas fueron aparentemente realizadas antes de las que se consideran las primeras obras "puramente" abstractas de Kandinsky). Hilma Af Klint formó parte de un grupo único conocido como "Los Cinco", compuesto por varias mujeres que abogaban por intentar alcanzar lo que Af Klint denominaba los "Altos Maestros". Sus pinturas, aunque comúnmente se consideran abstractas, también pueden verse como diagramas que representan caminos espirituales de significado. No cabe duda de que Klint ocupa una posición muy singular dentro de la historia más amplia del arte moderno, y su visión personal suscita muy pocas comparaciones.
8. Edvard Munch (n.1863)
Edvard Munch fue un enigmático pintor noruego reconocido por sus angustiosas representaciones de figuras, a menudo representadas en expresivos escenarios y comunicando los paisajes mentales del pintor. "El grito", su obra más famosa, es una imagen icónica dentro del periodo del Arte Moderno, por su crudeza y su aspecto adelantado, pero también por su influencia en un gran número de imágenes que se realizaron en los años posteriores a su exposición al público. A Munch se le ocurrió la idea de "El grito" en la ciudad de Oslo. Se dice que el pintor estaba paseando una tarde cuando, de repente, "oyó el enorme e infinito grito de la naturaleza". Se cree que el rostro torturado que aparece en la obra hace referencia a la ansiedad que suele asociarse con el arquetipo de artista o individuo del arte moderno.
9. Piet Mondrian (n.1872)
Piet Mondrian pintor holandés y descubridor de teorías visuales, es considerado uno de los artistas más innovadores del arte moderno del siglo XX. Trabajando incansablemente sobre la belleza de la naturaleza, estudiando y experimentando con el elemento del "Árbol Rojo" a lo largo de sus primeros años, su trayectoria artística puede verse como un intento constante de sobrepasar la forma y permitir que las formas y los gestos se liberen de su perímetro. Durante sus últimos años, la naturaleza dejó su lugar al elemento de la ciudad y el entorno metropolitano, en el que las líneas rectas y los colores primarios crean sus famosísimas composiciones.
10. Pablo Picasso (n.1881)
Pablo Picasso fue inicialmente un artista de Arte Moderno nacido en España pero que a menudo se asocia con Francia. Su obra abarcó un gran número de géneros, y es conocido como: pintor, grabador, escultor, ceramista e incluso diseñador teatral que pasó la mayor parte de su vida adulta en Francia.
11. Georges Braque (n.1882)
La vida y la obra de Georges Braque suelen quedar eclipsadas por las de Picasso, con quien fundó el cubismo a principios del siglo XX. De edad muy parecida y con teorías visuales similares, la obra de ambos en los inicios del movimiento cubista -desde 1908 y hasta 1912- era difícil de distinguir. Aparte del cubismo, Braque era conocido como excelente dibujante, artista del collage, escultor y grabador. Braque también participó en el movimiento fauvista de la primera década del siglo XX.
12. Amedeo Modigliani (n. 1884)
Amedeo Modigliani fue un pintor italiano, famoso por sus retratos y desnudos femeninos, llenos de sensualidad y extremadamente prospectivos. Tras su formación, iniciada en Toscana y completada en Venecia, "Modì" se trasladó a París (1906), donde conoció a Picasso y a las vanguardias de más alto nivel. Como artista moderno, Modigliani trabajó para desvelar algo nuevo e inédito, tanto en pintura como en escultura, aunque tuvo que abandonar la idea de ser escultor debido a sus condiciones físicas.
13. Georgia O'Keeffe (n.1887)
Georgia O'Keeffe fue una artista estadounidense universalmente aclamada por su papel en el modernismo estadounidense y por desarrollar un vocabulario visual totalmente único centrado en pinturas de flores agrandadas junto a rascacielos de Nueva York, así como paisajes de Nuevo México, donde vivió al final de su vida. Al principio de su carrera artística, conoció las teorías y filosofías artísticas de Arthur Dow, un artista muy esotérico que trabajaba con principios de visión e interpretación subjetivas.
14. Marc Chagall (n.1887)
Moishe Segal, también conocido como Marc Chagall, fue un pintor judío ruso nacionalizado francés. Sus obras expresan un fuerte apego a la religión y a la narrativa antigua. Como artista moderno, creó un gran número de cuadros que representan fábulas e historias pintorescas, desde cuentos populares hasta los que estudió de la Biblia. Chagall también creó una serie de ilustraciones sobre la propia Biblia que aún hoy siguen siendo algunos de los mejores resultados de su carrera pictórica.
15. Marcel Duchamp (n.1887)
Marcel Duchamp fue uno de los artistas más radicales y progresistas del siglo XX, considerado a menudo como el primer artista verdaderamente conceptual y el más famoso por incorporar a su práctica objetos cotidianos "ready-made". Era francés y estadounidense, y trabajó como pintor, escultor y, posteriormente, ajedrecista y escritor. A pesar de sus enigmáticas cualidades, coincidió con una serie de movimientos de gran importancia, como el cubismo, el dadaísmo y el arte conceptual.
16. Giorgio De Chirico (n.1888)
Giorgio De Chirico, nacido en Volos (Grecia), fue el padre del llamado movimiento de pintura metafísica. Además de la belleza y el misterio que caracterizan sus cuadros, se le reconoce como uno de los mayores maestros en cuanto a técnica y preparación del lienzo, creando obras que perdurarán a lo largo de los siglos por la importancia que el artista daba a los suelos y métodos de preparación. En sus obras, el pasado en sí no es rechazado como en la pintura de otros artistas modernos, sino que es reelaborado y transpuesto a un escenario moderno y vanguardista, permitiendo así activarse bajo una nueva y misteriosa vida.
17. Mark Rothko (n.1903)
Mark Rothko es uno de los artistas más místicos y melancólicos del periodo del Arte Moderno, y sus pinturas de planos de color se consideran a menudo intentos de representar las profundidades de la psique humana. Al no identificarse personalmente con ningún movimiento artístico, Rothko se asoció más a menudo con los expresionistas abstractos debido a la gran escala y naturaleza abstracta de su obra. Todas sus obras son variaciones sobre una disposición común de colores variables, y son pinturas totalmente independientes en la historia del arte.
18. Salvador Dalí (n.1904)
No hay duda de que Salvador Dalí es una de las mayores figuras artísticas de todos los tiempos, con una investigación que le llevó a tocar un increíble número de medios y producciones expresivas. Altamente controvertido y extremadamente ecléctico, Dalí pasó su vida creando e investigando dentro del mundo surrealista, un hecho que conecta sus obras con las más recientes investigaciones en términos de psicoanálisis. Como artista moderno, superó la mayoría de las ideas preconcebidas y creó un movimiento sólido y abierto a la vez. A lo largo de su vida, Dalì fue pintor, escultor, fotógrafo, director de cine, escenógrafo y performer; una trayectoria cronológica que le convirtió en el artista más experimental de todo el siglo. Además de toda la grandeza expresada por sus cuadros, Salvador Dalì creó una obra de arte del tamaño de un museo, en Figueres (España), que lleva el nombre de "Museo Dalì".
19. Frida Kahlo (n.1907)
Frida Kahlo fue una pintora mexicana cuya narrativa personal ocupa un lugar tan importante en la imaginación popular como su arte. Esto se debe en parte al hecho de que casi un tercio de toda su producción artística consistió en autorretratos, y el resto de su obra hacía referencia a su vida. Algunos de sus temas más representados fueron su difícil vida personal, su relación con el pintor de murales y revolucionario Diego Rivera y su persistente enfermedad.
20. Francis Bacon (n.1909)
Francis Bacon creó algunas de las pinturas más inquietantes y perversas del siglo XX, a menudo entendidas en relación con los horrores de la vida moderna. Bacon era un pintor inglés de origen irlandés que trabajaba principalmente de forma figurativa. Su temática era variada, e incluía en ella escenas de crucifixiones, retratos de papas angustiados, autorretratos desconcertantes. A menudo, Bacon utilizaba un marco geométrico para dotar de espacio a los entornos, de otro modo sin forma y llenos de color, en los que se movían sus temas. Bacon nunca se encasilló en un movimiento artístico, pero a menudo se le consideró parte de la variada Escuela de Londres que existía en la época y que incluía a otras luminarias como Lucien Freud y Frank Auerbach, todos ellos de renombre en la pintura moderna.
21. Jackson Pollock (n.1912)
Jackson Pollock inventó la idea contemporánea del artista mítico a través de su despreocupada imagen pública, sus problemas personales y su enigmático estilo de trabajo. En 1951, la revista Life le nombró "el mejor pintor vivo".
22. Joseph Beuys (n.1921)
Joseph Beuys fue un artista alemán que trabajó principalmente en una línea conceptual y performativa. Se ha hecho famoso por su forma de trabajar, totalmente única, y por sus sujetos, a menudo extraños, que elegía para ilustrar sus temas sobre la guerra, el amor y la vida. Siempre comprometido con una agenda radical, la "escultura social" de Beuys era un intento de colapsar la división entre el arte y la vida y, finalmente, pretendía hacer del arte visual un proceso democrático en el que cada individuo fuera capaz de participar.
23. Yves Klein (n.1928)
Al igual que Beuys, Klein también incorporó a menudo un elemento vivo, relacionado con la performance, a muchas de sus obras de arte más significativas. Klein era un artista francés y se convirtió en la figura principal del movimiento francés de posguerra llamado Nouveau Réalisme, fundado por el crítico de arte Pierre Restany en 1960. La carrera de Klein se cruza con muchos movimientos, incluidos los del arte de la performance, el arte minimalista e incluso el arte pop.
El Azul Klein Internacional sigue siendo la creación artística más conocida de Klein, y fue un color que patentó en 1961. Klein comentó que ‘el azul va más allá de las dimensiones, mientras que los demás colores no. Todos los colores suscitan ideas específicas, mientras que el azul sugiere como mucho el mar y el cielo; y ellos, después de todo, son en la naturaleza real y visible lo más abstracto". Klein empleó el color en una serie de obras monocromáticas que han llegado a tipificar toda su obra, incluso cuando se utilizó en una performance en la que participaban mujeres desnudas que se sumergían en la pintura antes de presionarse sobre el papel, todas ellas dirigidas por Klein en traje formal de noche.
24. Andy Warhol (n.1928)
El nombre de Andy Warhol se ha convertido en sinónimo del movimiento en el que fue fundamental y que encarnó en su vida personal y en su imagen pública: el arte pop. Warhol, que a menudo se describía a sí mismo como una máquina, investigó el papel de las imágenes y, en concreto, de los medios de comunicación de masas en la sociedad consumista estadounidense de los años sesenta.
Sus ahora increíblemente valiosas y omnipresentes serigrafías de iconos de la cultura pop y del consumo de marca (incluidas figuras como Marilyn Monroe y marcas como las latas de sopa Campbell) se han convertido en la forma por defecto de entender la sociedad estadounidense de la época. Warhol afirmaba que "lo mejor de una imagen es que nunca cambia, aunque cambien las personas que aparecen en ella".
25. Gerhard Richter (n.1934)
Nacido en Dresde en 1934, Gerhard Richter es uno de los artistas vivos más reconocidos y cotizados, junto con David Hockney y Jeff Koons. Su formación lo llevó de la publicidad a la escenografía, pero, como sabrá o no, se le reconoce como uno de los mejores dibujantes y pintores figurativos de todo el siglo. En cierto momento de su vida, Richter, gracias a su capacidad de observación y meditación, se percató de la capacidad de la pintura al óleo para desplazarse y estirarse por la superficie sin dejar de estar húmeda y mojada. A menudo se reconoce este momento de epifanía como el mismo en el que el artista superó las formas y llegó a un nuevo camino, hecho de marcas de color expresivas y abstractas; esas mismas marcas que hoy en día se erigen como declaración de su persona artística. Al igual que Mondrian y Rothko, Richter llegó a la abstracción a través del estudio de la forma y el realismo, que es, en opinión de muchos, el único camino verdadero para alcanzar la abstracción del inconsciente.