Perceptions

Dal 05/12/2023 al 26/01/2024

Percezioni

2023.12.05 – 2024.01.26

La nostra ultima mostra chiusa, intitolata "Percezioni", si basa sull'idea della capacità di vedere o diventare consapevoli di qualcosa attraverso i nostri sensi. È un concetto complesso, ma affascinante, che sta al centro delle esperienze umane. Si concentra sulla consapevolezza dello spettatore di ciò che lo circonda e sulla sua capacità di interpretare queste opere d'arte sotto una nuova luce. Invitiamo i visitatori a sfidare le loro percezioni e scoprire nuovi modi di vedere il mondo.

András Végh

Siamo lieti di presentare per la prima volta nella nostra galleria le straordinarie opere di András Végh (n. 1940) e la gioia è ulteriormente esaltata dall'opportunità di presentarlo ai nostri visitatori all'interno di questa accattivante mostra collettiva. Inizialmente ricorda le pitture rupestri, le sue opere presentano colori semplici, figure a bastoncino e vari oggetti su tela. Questo concetto porta un senso di gioia ogni volta che incontro i suoi pezzi: è facilmente accessibile ma lascia ampio spazio alle nostre idee e alla nostra creatività, invitandoci a connetterci con l'opera d'arte e a trarne significato. Esplorare la tela rivela numerosi deliziosi dettagli e frammenti, offrendo una nuova scoperta ad ogni sguardo.

"Lo scopo della mia ricerca artistica è quello di comprendere il mondo e al suo interno, l'umanità e me stesso. Le cose visibili e invisibili vengono esposte alla luce della natura. Adoro il caso che ispira sentimento, il misterioso, il bizzarro, l'imprevisto, il sorprendente e il grottesco allo stesso modo in cui ammiro la magia dell'invenzione, l'avventura attraverso l'ignoto, la strada dall'oscurità alla luce e la spontaneità piena di passione. La linea, proiettata dal mio lavoro, è essenzialmente la mia ancora di salvezza. Nel nostro presente, ritraggo i miei pensieri e sentimenti che sorgono nel mondo oggettivo, che a sua volta esiste e cambia indipendentemente da noi, nel modo più soggettivo possibile. Naturalmente, ognuno può coltivare il proprio giardino di verità, all'interno del quale potremmo notare l'aspersione di luce che costituisce tutto ciò che è vivo. Il mio lavoro rappresenta semplicemente la mia verità. È solo una parte della Realtà, eppure è reale lo stesso. La mia creatività è stimolata da ciò che irradia bellezza, umanità ed energia vitale mescolata con l'atmosfera della vita contemporanea."

Rimanendo attivo, le sue opere più recenti mostrano un allontanamento dalla raffigurazione di figure, rivelando un'evoluzione intrigante nel suo stile e nella sua estetica. È sempre affascinante assistere all'evoluzione dell'artista. Enfatizzando il processo di creazione rispetto alla rappresentazione esplicita, è particolarmente orientato al processo. Le sue opere incorporano elementi simili alla scrittura, aggiungendo all'estetica della pittura rupestre un'atmosfera sconosciuta ma gioiosa. Giocoso e piacevole da vedere, le sue opere fungono da delizioso punto di ingresso all'arte, dando un tono positivo all'intera mostra.

Ádám Misch

Nei suoi primi lavori, ritrasse forme distinte in varie dimensioni e colori, esplorando prevalentemente diverse tonalità di marrone. Passando attraverso una fase temporanea, la sua arte abbracciò uno stile espressionista simile a Basquiat, incorporando anche numeri e lettere nelle composizioni. Man mano che si evolveva, le sue opere successive si spostarono verso l'espressionismo lirico astratto, accompagnato da titoli espressivi. Questi pezzi, suggestivi e costruiti sulla gestualità, trasmettono una robusta visione espressionista del mondo. Creati poco prima della sua prematura scomparsa, mancano di un senso di finalità, suggerendo un continuo viaggio artistico. Nonostante la sua carriera tronca, le sue creazioni mantengono un aspetto contemporaneo e moderno. Accanto ai suoi dipinti, ha approfondito opere video e esperimenti intriganti, lasciando il desiderio di una maggiore esplorazione in questi regni.

Descritto da un collega artista "... sempre alla ricerca di qualcosa, graffiando la superficie di ciò che si può chiamare realtà. Il suo concetto di verità era ciò che stava sotto la vernice che usava, che era perennemente etichettata e classificata da individui che non avevano niente di meglio da fare. Non penso che gli sia mai importato se la sua arte fosse un esempio di "espressionismo lirico" o solo una "lirica espressiva". Il suo unico scopo era quello di esprimere idee ed emozioni attraverso mezzi forniti dalla natura”.

Sono costantemente stupito dalla miriade di interpretazioni che scopro nei suoi dipinti e trovo immenso piacere nel condividere queste osservazioni con i miei amici. I colori vibranti conferiscono collettivamente un'atmosfera rilassante e vivace allo spazio espositivo. Queste opere d'arte sono del tipo che appenderei volentieri sopra il mio letto, fiducioso che ispirerebbero sogni piacevoli. Il processo creativo dell'artista e l'ipnotizzante gamma di gesti e pennellate nelle sue opere sono particolarmente intriganti per me e mi sarebbe piaciuto vedere di più da lui.

Szabolcs Szolnoki

Siamo anche lieti di ospitare per la prima volta nella nostra galleria le bellissime opere di Szolnoki. I suoi dipinti esistono all'incrocio tra astratto e figurativo, con entrambi gli aspetti che occasionalmente hanno la precedenza. Il suo obiettivo primario non è la mera illustrazione, ma piuttosto l'espressione. Stabilisce costantemente uno o più punti focali che fungono da punti di ingresso per interpretare la narrativa del dipinto. Gli elementi al di fuori di questi punti focali, alla periferia, rappresentano una sfida da catturare individualmente, tuttavia, è solo attraverso la loro presenza collettiva che il quadro raggiunge completezza e coerenza.

Assistiamo alla sua crescita e all'ampliamento dei suoi orizzonti artistici. Nei suoi primi lavori, lo sfondo presentava costantemente ambientazioni interne adornate con piante e mobili domestici. Tuttavia, nei suoi pezzi più recenti, c'è un notevole cambiamento mentre si avventura oltre questi spazi interni, esplorando ambienti come terrazze e patii.

Le sue creazioni mi sorprendono sempre, regalandomi un'esperienza rinfrescante. Inizialmente, mi sembra di essere stato trasportato in un antico ricordo un po' dimenticato in cui la chiarezza è sconcertante e c'è una sottile tensione nello sforzo di migliorare e prolungare quei tempi. Queste opere forniscono una sensazione confortante e familiare, portando un senso di appartenenza ai ricordi raffigurati. Inoltre, hanno il potenziale per evocare uno stato onirico, suggerendo un mondo appena oltre la nostra realtà. Questo mi ispira a creare narrazioni fantasiose sulla vita di questi individui in una realtà alternativa, facendo emergere davvero il mio lato creativo e dandomi un senso di soddisfazione.

Dániel Kiss

I disegni di Kiss ispirano le sue creazioni, segnate da continuità, autoreversione e cenni all'infinito. Si attiene all'uso di un singolo materiale nelle sue opere, adattandosi alle sue proprietà senza adesivi o falegnameria. I suoi pezzi traggono ispirazione dai fenomeni ottici, mettendo in mostra forme in continua evoluzione che portano a infinite possibilità.

Le sue sculture presenti nell'attuale mostra, intitolate "Alpha" e "Omega", sono realizzate con alberi di noci del Brasile. Meticolosamente scolpite e modellate, queste opere d'arte completano senza soluzione di continuità qualsiasi spazio in cui vivono, introducendo un'atmosfera tranquilla intrisa dell'essenza della natura. Al mio primo incontro con queste opere, sono stato colpito dall'impressione che superassero l'artigianato umano, un malinteso che è stato rapidamente respinto. Elevati su robusti piedistalli, attirano l'attenzione con la loro presenza imponente, ma paradossalmente irradiano una bellezza delicata che infonde un senso di cautela, facendo esitare a toccare questi fragili capolavori.

Tamás Dobos

Al centro della sua visione artistica c'è la rappresentazione di più strati di tempo contemporaneamente, ottenuta attraverso personaggi privi di tratti convenzionali specifici dell'epoca. Questi personaggi servono come simboli di atemporalità. All'interno del suo universo, il tempo non aderisce a una struttura lineare o scorre come un fiume; piuttosto, è sempre presente. Questo approccio unico al tempo lascia spazio all'immaginazione, invitando i destinatari a intraprendere viaggi di percezioni e credenze individuali.

Le sue opere utilizzano una tecnica a lastra bagnata, che gli consente di creare un'illusione del passato. Tuttavia, a un esame più attento, gli spettatori potrebbero percepire una certa confusione, poiché possono sperimentare anche la presenza del presente e del futuro. Un tema centrale nel suo lavoro ruota attorno ai gemelli, non solo come eventi biologici distintivi ma anche come simboli di trascendenza. Nel processo di rielaborazione, consente intenzionalmente elementi accidentali, evitando di fare dichiarazioni esplicite. Invece, l'obiettivo è coinvolgere lo spettatore e incoraggiare la contemplazione condivisa.

Dopo l'osservazione iniziale delle sue opere, ho provato un senso di disagio mentre lottavo per collocarle entro un periodo di tempo specifico. Questa fondamentale vaghezza è esattamente ciò che li rende intriganti e distintivi. C'è una sensazione di incertezza riguardo all'identità dei soggetti, che si tratti della stessa persona riflessa più volte o di gemelli reali riflessi.

Il suo ultimo catalogo, intitolato "W", è stato recentemente pubblicato, mostrando la sua biografia e le sue opere artistiche. Oltre alla sorpresa, ha anche un background come direttore della fotografia, contribuendo a diversi film pluripremiati, tra cui uno che ha vinto un Gran Premio della Giuria dell'Orso d'Argento.

György Jovián

Jovián György identifica lo scopo della sua vita nel regno delle arti visive, fedele alla sua fede nel potere della pittura. Negli ultimi tempi ha scelto di lavorare esclusivamente con pittura ad olio su tela. Non esclude l'uso di una macchina fotografica nella creazione delle sue opere; tipicamente fotografa i suoi soggetti e poi li “ingrandisce” sulla tela per creare composizioni monumentali. Sebbene non escluda l'uso di altri materiali (come sabbia, scarti di tessuto e pittura murale), specialmente nei suoi periodi precedenti, questi sono ora semplici strumenti verso l'obiettivo finale di creare un dipinto.

«Ci sono epoche che sono durate più a lungo delle precedenti o di quelle parallele ad esse. Per inciso, il tema della cosiddetta "demolizione" è il più significativo. L'ho chiamato così, ma essenzialmente, verso la fine degli anni 2000, ho notato che in tutto il mondo, non solo a Budapest ma ovunque, stavano abbattendo gli edifici che erano stati costruiti quando ero bambino. Caserme, edifici industriali, ogni sorta. Li demoliscono e ne costruiscono di nuovi al loro posto. Osservando questi siti di demolizione, questi campi di rovine, ho notato che sono immensamente pittoreschi. Contengono molti dettagli, sono colorati e possono essere composti; puoi catturare un dettaglio e ingrandirlo, alterandone così il significato. È stato allora che ho iniziato a occuparmi di questo, e praticamente lo faccio da allora."

In questa mostra sono presenti pezzi intitolati "Studio per la demolizione" e "Studio per la guerra." Sebbene queste opere possano non essere recenti e non siano state create per commentare le guerre o le situazioni politiche attuali, trasmettono efficacemente la natura senza tempo e universale di questi problemi che persistono nel corso della storia. Le sue opere, note per il loro estremo fotorealismo, brillano soprattutto in questi due pezzi, sfumando le linee al punto che distinguere tra una fotografia e un dipinto diventa impegnativo. La capacità di creare pezzi così iperrealistici mi affascina e mi innervosisce, evidenziando quanto facilmente si possa essere ingannati dai propri occhi.

Márton Romvári

Nelle sue creazioni artistiche, le forme naturali del mondo micro e macro assumono una presenza distintiva, apparendo come essenze semplificate. L'interazione degli elementi, sia nel processo di fusione che di separazione, è meticolosamente stratificata su piani interagenti, contribuendo alla creazione di una qualità spaziale dinamica all'interno dell'opera d'arte. Proveniente da una fonte condivisa, il suo dominio artistico si estende a dimensioni, rilievi, oggetti, sculture e opere cinetiche. Questa vasta gamma di espressioni artistiche forma collettivamente un mondo coeso e sfaccettato all'interno del suo corpo di lavoro.

Le sue opere esposte sono appositamente progettate per giocare brutti scherzi ai tuoi occhi e alla tua mente, costringendoti a percepirli da prospettive nuove e non convenzionali. Un concetto intrigante all'interno delle sue creazioni consiste nel suddividere l'opera d'arte in elementi separati, valutarli singolarmente e quindi riassemblarli per formare un'immagine coerente. È davvero strabiliante assistere a come le nostre percezioni di un'opera d'arte possono trasformarsi smontandola e ricostruendola metaforicamente. Questo approccio non solo coinvolge gli spettatori in modo interattivo, ma fornisce anche un modo divertente per introdurre le generazioni più giovani all'arte contemporanea, dimostrando che c'è spesso di più in un pezzo di quanto non sembri inizialmente.

Un pezzo notevole, intitolato "Cloud", sembra possedere movimento dinamico e vibrazioni sulla tela, quasi come se stesse tentando di liberarsi dal suo spazio confinato e conquistare il mondo. Il suo corpo di lavoro comprende forme bidimensionali e tridimensionali, caratterizzate da un accattivante gioco di colori e forme sporgenti.

Péter Borkovics

Inizialmente attratte dalla fluidità del vetro, le creazioni dell'artista subiscono un meticoloso viaggio di macchine, tecniche e manipolazioni professionali, dando vita a blocchi geometrici a righe che rivelano interni caotici. Le vivaci lastre di vetro, fuse per formare colori e forme interiori, simboleggiano l'armonia della natura e l'eterno ciclo del tempo. Le strisce continue e parallele rappresentano la connessione senza tempo tra l'esistenza umana e l'universo. La cornice centrale significa presenza umana e pensiero preciso, mentre la rotazione delle forme rispecchia la natura in continua evoluzione della civiltà e del pensiero.

Includerlo nella mostra sembrava quasi obbligatorio, dato che le sue opere offrono una nuova prospettiva praticamente da ogni angolazione. Serve a ricordare come un leggero cambiamento di prospettiva, anche solo facendo un passo a sinistra, possa svelare mondi completamente nuovi davanti a noi. La mostra, in sostanza, serve come lezione di vita, reindirizzando la nostra attenzione e incoraggiandoci a vedere le cose sotto una nuova luce. Ha lo scopo di stimolare i nostri punti di vista e le nostre idee individuali. Personalmente, trovo grande soddisfazione in questa mostra perché porta un sottotono piacevole e significativo. La mia speranza è che influenzi gli spettatori ad abbracciare e godersi la vita, incoraggiandoli a esplorare varie prospettive e scoprire idee che potrebbero averli sconcertati prima.

Sono entusiasta di condividere la fantastica notizia che il nostro artista rappresentato ha partecipato alla Venice Glass Week 2023, un festival internazionale dedicato alla promozione dell'arte vetraria. L'evento, tenutosi lo scorso settembre, segna per noi un traguardo significativo, mettendo in mostra il coinvolgimento del nostro artista in un incontro così prestigioso.

Endre Lukoviczky

Per tutta la sua vita, ha perseguito con passione i suoi sforzi artistici, impegnandosi sia nella pittura che nella grafica stampata. Mentre le sue creazioni subiscono l'influenza del Costruttivismo e del Suprematismo, le loro composizioni dinamiche approfondiscono temi contemporanei. Attingendo spesso al potenziale di organizzazione delle immagini dei piani fluttuanti, le sue opere rivelano un fascino meccanico e trasmettono le sue esperienze metropolitane attraverso l'utilizzo di spazi astratti.

Ha mantenuto un alto livello di attività per tutta la vita, impegnandosi costantemente nel processo di creazione di qualcosa di nuovo. La mostra presenta le sue opere della serie "Letter Strings", notevoli per il fatto intrigante che sono state dipinte a quasi 15 anni di distanza. Osservando questi pezzi, si può essere colpiti dai notevoli cambiamenti di colori, tecniche e stili che si sono svolti nel corso degli anni. In contrasto con le sue opere d'arte precedentemente esposte, c'è un notevole cambiamento mentre si allontana dalle intricate composizioni spaziali, avventurandosi in un'estetica più semplice e schietta. Questa transizione potrebbe essere vista come un nuovo capitolo del suo percorso artistico, partendo dai complessi dipinti tridimensionali del paesaggio urbano per abbracciare elementi e colori più semplici nella pianura.

Ho avuto il piacere di incontrarlo e impegnarmi con qualcuno così affascinante che ha vissuto e visto così tanto - è stato un cambiamento di vita. Ho ricevuto un fantastico tour del suo studio, dove mi ha mostrato la sua impressionante collezione di opere d'arte. Inoltre, ha condiviso il suo album più prezioso, meticolosamente organizzato con immagini fotografiche etichettate e datate di ogni pezzo che abbia mai creato, complete di ulteriori informazioni sulla loro posizione attuale.

Le sue opere hanno un fascino speciale per me, raggiungendo un punto in cui diventa difficile distinguere se sono state dipinte meticolosamente o meno. La grandiosità dei suoi pezzi non manca mai di trasportarmi, evocando immagini di paesaggi provenienti da pianeti lontani o scene direttamente da un'accattivante narrativa di fantascienza. Il suo abile uso delle tavolozze dei colori mi stupisce costantemente, risuonando con me a un livello più profondo, rendendo davvero le sue opere d'arte di grande impatto e speciali per me.

Complessivamente è particolarmente difficile riassumere la vasta gamma di artisti e la varietà delle loro opere in un solo pensiero, poiché l'idea principale della mostra era solo sua: mostrare modi di percezione molto diversi provenienti dagli artisti rappresentati della Galleria Faur Zsófi.

Autore: Kata Szilágyi